TRE UTSTILLINGER PÅ KUNSTNERNES HUS



Fotografi og film vil dominere den kommende utstillingsperioden på Kunstnerens Hus, som presenterer tre utstillinger med de internasjonalt anerkjente kunstnerne Hans-Peter Feldmann, Elad Lassry og João Maria Gusmão & Pedro Paiva. Alle utstillingene anvender og videreutvikler klassiske kamerabaserte uttrykk som stilleben, studioportretter, og 16mm filmer. Kunstnerne representerer ulike konseptuelle posisjoner som forholder seg til en pågående diskusjon om billedforståelse og billedbegjær.

HANS-PETER FELDMANN

I am not interested in the high points of life. Only five minutes of every day are interesting.
– Hans-Peter Feldmann.

Hans-Peter Feldmann (f. 1941) bor og arbeider i Düsseldorf, Tyskland, og regnes som en av foregangsfigurene innen konseptkunsten. Siden 1960-tallet har han utviklet et omfattende billedarkiv av offentlige og private fotografier fra magasiner, aviser, tidsskrifter og fotoalbum. Fotografiene er samlet og organisert i serier og bøker etter kunstnerens personlige visuelle system.
Feldmann leker med estetiske og visuelle hierarkier og tillegger alle bildene samme verdi uavhengig av sin opprinnelige kontekst. Hans arkeologiske utgravninger i billedkulturen reflekterer bildet som privat og kollektivt begjærsobjekt. Utstillingen på Kunstnernes Hus presenterer verket 100 Years, som er en monumental fotografisk serie bestående portretter av mennesker i alderen åtte måneder til 100 år; en temporal frise over livssyklusen.

Hans-Peter Feldmann har en omfattende internasjonal utstillingsvirksomhet bak seg, deriblant Documenta V og Documenta VI i Kassel, Guggenheim Museum i New York, Museum Ludwig i Köln, Walker Art Center i Minneapolis og Venezia-biennalen i 2003 og 2009.


ELAD LASSRY

If Israeli-born, L.A.-based photographer Elad Lassry hadn’t come along at this particular moment in photography’s history, theorists would probably have had to invent him.
– Sarah Schmerler, Art in America, mars 2011.

Elad Lassry (f. 1977) er født i Tel Aviv, Israel, og er bosatt i Los Angeles, USA. Lassry har inntatt en markant posisjon på den internasjonale kunstscenen med sine intenst fargemettede stilleben, fotocollager og studioportretter. Han kan sies å representere en tendens innenfor samtidsfotografiet som eksperimenterer med fotografiets materialitet i prosesser som nærmer seg maleri og skulptur. Det er et fotografi som ikke søker etter å dokumentere en sosial virkelighet, men som konstrueres i studio eller i mørkerommet.

Lassry tar utgangspunkt i bilder som konstant resirkuleres i en visuell kultur og som dermed blir tappet for mening. Selv har han omtalt dem som foreldreløse bilder. Til tross for tilsynelatende hverdagslige motiver ¬– et portrett av kattunger, en oppstilling av juledekorasjoner – skaper han en tvil om hva vi faktisk ser, som om bildene kan bety alt og ingenting på samme tid. Lassry oppnår dette ved å rense bildene for alle referanser til opphav og kontekst, og ved å fokusere på deres formale kvaliteter, som lys, farge og overflate. Slik ønsker Lassry å undersøke om bilder kan kommunisere som rent, fysisk nærvær i møte med betrakteren.

De fotograferte objektene er plassert foran fargesterke bakgrunner og bildene er innrammet i samme farge som den dominerende fargen i fotografiet. Slik skaper han et spill mellom objekt og bakgrunn, overflate og dybde, abstraksjon og figurasjon. Denne strategien videreføres i utstillingens øvrige elementer, som omfatter kulltegninger, skulpturer, arkitektoniske intervensjoner og en 16mm-film. Alle de ulike elementene spiller sammen og skaper en opplevelse av at rommet selv kan bli aktivert som et bilde.

Elad Lassry har blant annet stilt ut på fjorårets Venezia-biennale, Whitney Museum i New York, White Cube i London, Tramway i Glasgow, The Art Institute of Chicago og Kunsthalle Zürich, og ble nylig nominert til Deutsche Börse Photography Prize i London.

Elad Lassry (f. 1977) har blant annet stilt ut på fjorårets Venezia-biennale, Whitney Museum i New York, White Cube i London,Tramway, Glasgow, The Art Institute of Chicago og Kunsthalle Zürich, og ble nylig nominert til Deutsche Börse Photography Prize i London.


JOÃO MARIA GUSMÃO & PEDRO PAIVA

Though it may seem like a paradox, mystery is what sheds light on reality, what does not let itself be led astray by the seemingly obvious.
– Scaling Mount Analogue, Chiara Leoni, Mousse Magazine # 15.

João Maria Gusmão & Pedro Paiva (f. 1979 / 1977) bor og arbeider i Lisboa, Portugal. De arbeider med 16mm-filmer, skulptur, installasjoner og tekst i en verkproduksjon som bygger på et omfattende repertoar av filosofiske og vitenskapelige tekster. Utstillingen, med tittelen Since You have Eaten the Horse, You Can Travel to Rome by Donkey: on Dwarf Philosophy, utgjør en av deres hittil største sammenstillinger av et tyvetalls 16 mm-filmer produsert i perioden 2003-2011.
Gusmão og Paivas kortfilmer skildrer iscenesatte episoder i en serie av pseudo-vitenskapelige eksperimenter som får både poetiske og humoristiske konsekvenser. Sentralt for Gusmão og Paiva er fascinasjonen for det som unnslipper forståelse og undergraver det rasjonelle – ren empiri kombineres med forståelsen for det umulige i en forestilling om absolutt kunnskap om verden.
João Maria Gusmão og Pedro Paiva har stilt ut i en rekke internasjonale institusjoner, inkludert Wattis Institute for Contemporary Art i San Francisco, Ikon Gallery i Birmingham, og Museu Nacional de Arte Contemporanea i Lisboa.De har også deltatt på en rekke internasjonale utstillinger som Manifesta i 2008 og Sao Paulo-biennalen i 2006. Kunstnerne representerte også Portugal ved Venezia-biennalen i 2009 med utstillingen Experiments and Observations on Different Kinds of Air



Legg til ekstern kalender…